Lima, 24 de Abril del 2026 – Conocido por su “grafiti de asfalto”, desde hace más de 20 años-en las calles de Sudamérica principalmente, norteamericanas, europeas y asiáticas- Tec provoca en los ciudadanos una percepción sobre otro tipo de ciudad dentro de la banalidad, sugiriendo una nueva perspectiva.

Y en esta oportunidad da un paso más con su proyecto ON-OFF de collage digital con televisores pintados a mano y drones. “La temática urbana siempre fue mi principal foco e interés a lo que le sumo nuevos recursos de la tecnología digital. Está pensado a largo plazo para abarcar varias ciudades. El recorte y collage de los videos sobre televisores y tablets se transforma en un método constructivo de imágenes en movimiento de retratos y paisajes urbanos” explica el artista y agrega: “Las TVs pintadas son algo nuevo, por lo que indefectiblemente crea una sorpresa, algo siempre bienvenido en una obra de arte. El hecho de poder asistir a una pintura con música, movimientos, loops, escenas cotidianas de la rutina urbana, genera sin duda, una nueva forma de apreciar una obra”. Su mirada sobre las ciudades no se detiene en lo turístico, sino en aquello que interpela al habitante común de ese espacio.

De esta manera la pintura de TVs es un modo en el que Tec afirma la fuerza expresiva de las pinceladas energéticas y llenas de vida (vida urbana, digital, corporal y manual).

Lima como quinta sede

Esta vez, Lima se convierte en la quinta ciudad en integrar el Proyecto ON-OFF. Para esta edición de PINTA 2026, el artista realizó un trabajo de campo previo de dos meses, investigando la urbanización local y piloteando drones para capturar la esencia de barrios emblemáticos como: Chorrillos, San Juan de Lurigancho, Centro Histórico, Miraflores, Barranco, Surco, Rímac, Callao, San Martín de Porres, Chucuito y La Victoria.

La muestra individual no solo destaca por su narrativa visual, sino por una puesta en escena vanguardista donde la tecnología se convierte en el lienzo mismo. Gracias a una alianza estratégica con la marca TCL, líder global en televisores Mini LED, la instalación cobra vida a través de un ecosistema digital diseñado para absorber al espectador en la complejidad urbana:

• La exhibición se compone de dos pantallas de 65” y una imponente unidad de 75”. Estos televisores de gran formato permiten que los collages digitales pintados a mano se perciban con una nitidez absoluta, capturando cada textura del asfalto y cada movimiento de la masa urbana con potencia cromática.
• La instalación se complementa con dos tablets que funcionan como dispositivos de observación íntima. En ellas, el espectador puede ver el detalle minucioso de la investigación de campo, permitiendo una interacción cercana con los fragmentos de la vida cotidiana capturados por el dron.
• Como contrapunto al despliegue digital, se exhibe “72 hs” un acrílico sobre tela de 1,5 x 2 metros. Esta pieza actúa como un mapa emocional y físico, donde la mano del artista traduce mediante pinceladas enérgicas las referencias visuales de los barrios limeños explorados.

Esta simbiosis entre la tecnología audiovisual de vanguardia de TCL y la visión artística de Tec logra que la «pintura de TVs» deje de ser una mera proyección para transformarse en una ventana vibrante que late al ritmo de una Lima en constante cambio.

La mirada curatorial: el pulso de una ciudad en movimiento

La propuesta de Tec en Pinta Lima no es solo un despliegue técnico, sino una profunda reflexión sobre el tejido social y urbano de las capitales latinoamericanas. Bajo la curaduría de Néstor Zonana, director de la galería Pabellón 4 de Buenos Aires, la muestra se presenta como un ensayo visual sobre la tensión entre la modernidad y la saturación. Y así lo describe Zonana:

En el corazón de América Latina, ciudades como San Pablo, Lima, Buenos

Aires, México y Bogotá, se debaten entre el progreso y el colapso.

Tec nos invita a sumergirnos en la vorágine de estas metrópolis, donde el caos

vehicular, la contaminación y el crecimiento urbano desordenado han

creado un escenario de desafíos sin precedentes.

A través de una innovadora fusión de Tecnología y pintura, el artista captura

la esencia de lugares específicos, estudiando y analizando las

complejidades de cada entorno. Con un dron como herramienta, nos

muestra la parálisis de las calles, la congestión de los cielos y la lucha

constante por un espacio en la ciudad.

Pero no se trata solo de mostrar el problema, sino de reflexionar sobre sus

causas y consecuencias. El crecimiento urbano desordenado, la falta de

planificación y la dependencia del automóvil han llevado a estas ciudades a

un punto de inflexión. La contaminación del aire, la pérdida de espacios

verdes y la desigualdad social son solo algunos de los efectos de este

modelo de desarrollo.

La muestra nos invita a mirar nuestras ciudades de manera diferente, a

cuestionar y reflexionar sobre el impacto de nuestras acciones en el medio

ambiente y en la sociedad. Es una llamada a la conciencia y a la acción,

para construir un futuro más sostenible y equitativo para todos.

 “Ciudades en Transformación” es una muestra que combina arte,

Tecnología y crítica social, para inspirar un cambio positivo en nuestras

urbes. Un viaje al corazón del caos urbano, para encontrar un camino hacia

la transformación.

Para este proyecto TEC viajará a Lima 2 meses antes de Pinta para realizar

un trabajo de campo e investigación sobre la urbanización de la ciudad, y

realizará las filmaciones con Dron que serán utilizadas para la producción

de las obras que integrarán la exhibición, Lima será la 5ta ciudad que

integra el proyecto ON-OFF.

Ya habiéndose producido en San Pablo, Buenos Aires, Miami, ciudad de

México, Río de Janeiro y actualmente en Rusia en un proyecto que pretende

circular por las principales ciudades de Europa.

Información de la exposición:

Lugar: PINTA LIMA – Casa Prado. Av. 28 de julio 878, Miraflores.

Fecha: Del 22 al 26 de abril

Sobre Tec

El artista Tec Fase, nacido en Córdoba, Argentina en 1975, vive entre Brasil y

Argentina. La combinación de soportes y técnicas son los principales estímulos del trabajo del cordobés, que de la calle hace su fuente de inspiración estética. Tec explora

ambigüedad de los espacios artísticos públicos y privados, utilizando diferentes métodos:  intervención performativa, pintura de acción, pintura de mural, instalación de site-specifice  y videos de acción. Además, posee obras emblemáticas de la ciudad, como el Mural da Cegueira, en Minhocão (pintura de 60 metros de altura, una de las más altas en São Paulo, realizada en 2015). Otras obras muy conocidas son sus innovadores “graffiti de asfalto”, piezas pintadas en calles empinadas y que se pueden ver a la distancia: estas pinturas también son filmadas con drones y se convierten en videos y time-lapses que el artista presenta en las redes sociales @Tecfase

Lima, 29 de Abril del 2025.- El BRITÁNICO Cultural inaugura la exposición individual «Ensoñaciones entre los signos de la luz: se cierra un círculo», una muestra que reúne lo mejor del legado artístico de Elke McDonald. La exposición estará abierta al público del 16 de abril al 8 de junio en la Galería John Harriman.

Bajo la curaduría de Rhony Alhalel, el público asistente podrá disfrutar de un recorrido a través de la visión de la artista, donde el color, la luz y el simbolismo se entrelazan a lo largo de 51 obras que reflejan décadas de experimentación y evolución, las cuales son un testimonio de su amor por la vida, la naturaleza y el arte en su más pura expresión.

Con una trayectoria artística internacional que abarca exposiciones en países como el Perú, Colombia, Honduras, Alemania, Italia, Estados Unidos y España; Elke ha sido reconocida por su contribución a la cultura peruana no solo como pintora, sino también como profesora de arte y coleccionista comprometida con la preservación del patrimonio cultural de nuestro país. Además, es productora y directora del tradicional programa Pentagrama Británico en Radio Filarmonía. Su legado se extiende más allá del arte.

“Elke McDonald encontró en Lima, Perú, el puerto idóneo, el asidero para representar sus ideales pictóricos y humanísticos. Sabiendo que la cabeza piensa donde pisan los pies, emprendió el camino para esbozar lo representable reconociendo la importancia que tiene el aprehender con la mirada y entender el lugar, su gente, su pulsión, su cultura. Ello significa mucho más que escudriñar el mundo a través de los ojos. El ver es una manera de observar que se potencia con los otros sentidos y ello le ha permitido aguzar su sentido de realidad”, indicó el curador.

MÁS INFORMACIÓN
Temporada: Del 16 de abril al 8 de junio de 2025.
Horario: De martes a domingo, de 1 a 9 p.m.
Lugar: Galería John Harriman (Jr. Bellavista 531, Miraflores).
Ingreso gratuito.

Lima, 26 de Abril del 2024.-Como parte de su misión en la difusión de la cultura, el ICPNA Cultural presenta “MI JOB” del artista Jose Castiella. La exposición se presentará hasta el domingo 26 de mayo en el Espacio Venancio Shinki del ICPNA Miraflores (Av. Angamos Oeste 120). El horario de visita es de martes a domingo de 10 a. m. a 7 p. m.

“MI JOB” es una muestra que exhibe la práctica de Castiella abundante en referencias, tanto de la historia del arte como de la cultura popular. Los personajes que aparecen en las composiciones del artista conectan al mismo tiempo con Hieronymus Bosch y la estética de los videojuegos de rol isométricos, lo que emerge como resultado del accidente y el azar, a través de vertidos y manchas similares a los del expresionismo abstracto, que luego se interpretan en clave figurativa.

La exposición insinúa una relación entre el trabajo de un pintor de calamidades y la heroica respuesta de Job ante estas. La obra de Castiella, durante años, ha intentado representar formas de vida después de un supuesto colapso. Inicialmente desde una perspectiva materialista, cercana al terror cósmico de Lovecraft. Sin embargo, en las últimas series, es el mundo espiritual de la cosmovisión cristiana el que mejor encaja con estos personajes, así, cada uno de ellos es considerado por el artista como los diferentes estados por los que transita un alma en la realidad espiritual.

La pintura de Castiella exige leerse en diferentes planos. Comenzando por una aparente armazón arquitectónica que propone diferentes niveles espaciales que, de plano en plano, lleva al espectador de una realidad a otra habitada por colores intensos, formas aparentemente abstractas y alguna reminiscencia de las criaturas de los maestros del Fin del Mundo. Su obra muestra humor y temor a la vez, en ese sentido, se descubre en su dimensión humana. Se impone así sobre un modelo de artista contemporáneo enfocado en el discurso olvidando, muchas veces, la fe en el arte mismo.

Sobre el artista

José Castiella nació en Pamplona (España) y estudió Bellas Artes en la Universidad del País Vasco para después realizar una Maestría en Bellas Artes en la Goldsmiths College en Londres. Actualmente vive y trabaja entre Madrid y Pamplona. Ha participado de diversas exposiciones individuales y colectivas en España, Reino Unido y México. Además, Su trabajo ha sido visto en ferias de arte contemporáneo internacional, como London Art Fair (Reino Unido), Material (México DF) y Casa Leibniz (Madrid).

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La artista peruana presentará sus obras en el cuarto piso de la Galería Martín Yépez del centro histórico de Lima del 24 de febrero al 23 de marzo. Curada por Juan Peralta, la exposición reúne una selección de pinturas de pequeño y mediano formato elaboradas con acrílico, óleo, plumones y tiza sobre lienzo, papel y MDF. Los cuadros son parte de la producción artística de Teruya comprendida entre los años 2011 y 2024.

Gracia Teruya desata sus memorias, capturando la esencia misma de la vida en cada trazo. Así, los lienzos se convierten en portales a mundos donde la ciudad se convierte en el teatro universal de la existencia humana. Estas no son solo pinturas; son ventanas a un proceso terapéutico íntimo, donde libera sus pensamientos y emociones de manera constructiva.

En palabras del curador: “Teruya utiliza el arte como un medio para expresar y liberar energías y emociones intensas, considerándolo una vía terapéutica que le permite canalizar sus pensamientos y sentimientos de manera constructiva. De esta manera, sus construcciones visuales nos instan a liberarnos de las etiquetas y condicionantes formales que provienen del mundo del arte y del mercado”.

Gracia Teruya no solo pinta; ella narra, con cada trazo, su propia epopeya de vida. Graduada en Artes Visuales y con una educación que fusiona las ciencias sociales, filosofía y religión, su arte es un testimonio de la complejidad de la existencia humana.

Acerca de la artista

Gracia Teruya Revilla (Lima, 1986) ha expuesto su primera individual “Un mundo aparte” en el Fondo de Cultura Económica en 2015 y la segunda “Amor, pasión y vida” en Corriente Alterna en 2018 y ha participado en exposiciones colectivas y salones de arte en Italia, Estados Unidos y Perú. Ha publicado el libro de artista El sueño de la luna en 2013 y Después del mundo en 2015. Más información en https://www.graciateruya.com/

Lugar: Galería Martín Yépez

Dirección: av. Nicolás de Piérola 938, Portales de Zela, Plaza San Martín, Lima, Lima – Perú

Horario: lunes a sábado de 11 a.m. a 6 p.m.

Inauguración: sábado 24 de febrero, 7 p.m.

Temporada: del 24 de febrero al 23 de marzo de 2024

Texto curatorial de Juan Peralta

Entre el corazón azul y el rojo

Gracia Teruya es una artista polifacética que, trascendiendo sus lenguajes desarrollados en los campos de las formas, el color, la poesía, el video y la performance, mantiene la esencia de ser una comunicadora de historias, narrando vivencias propias que han representado grandes retos en su vida.

Entre el cielo y el infierno reúne producciones pictóricas, video y libros arte / poemario, cuyas imágenes evocan personajes (amigos y familiares) y lugares donde la profunda soledad y la tristeza forman parte de las memorias. Estas experiencias han dado origen a composiciones que se convierten en símbolos que denotan diversos estadios de su ser.

A pesar de la expresividad lograda mediante el manejo de las composiciones cromáticas y el trazo de los contornos, sea en la representación de sus parques, calles o casas, resulta imposible pasar por alto la fuerza con la que se transmite este imaginario que oscila entre la realidad y la subjetividad. De alguna manera, estas obras dialogan la violencia, el dolor y la angustia con el amor, la fe y la esperanza.

Teruya utiliza el arte como un medio para expresar y liberar energías y emociones intensas, considerándolo una vía terapéutica que le permite canalizar sus pensamientos y sentimientos de manera constructiva. De esta manera, sus construcciones visuales nos instan a liberarnos de las etiquetas y condicionantes formales que provienen del mundo del arte y del mercado.

Las obras de Teruya ofrecen una perspectiva única y original, desafiando las convenciones artísticas establecidas. En su arte, prevalece el sentimiento y el deseo sincero por revelar la importancia del amor, expresado mediante la imagen constante del corazón como órgano vital de la vida y como ícono del amor y la fragilidad. La elección de representar el corazón en rojo o en azul puede referirse a la dualidad y complementariedad de emociones, incluso opuestas, expresando la necesidad de un sentido de equilibrio y armonía entre fuerzas contrapuestas, como la calma y la pasión, el amor y el odio, la belleza y la fealdad.

En otras palabras, rescatamos su poderosa capacidad para transmitir la complejidad de las experiencias humanas a través de su arte. La referencia a la dialéctica existencial, el contraste y el conflicto como motores para avanzar y superar miedos, taras y limitaciones añade profundidad filosófica y sugiere un impulso positivo hacia el crecimiento personal y la superación. Es una reflexión poderosa sobre la conexión entre el arte y la vida. Un homenaje a su familia, a su mascota y aquellos seres que viven luchando con sus propios miedos y donde el silencio puede más que la voz. Y aunque algunos no se encuentren en esta dimensión, como dice la propia artista: «… Desde el cielo o las estrellas siguen siendo luz».

En la obra de Teruya, los referentes artísticos se presentan de manera tácita al evocar los trabajos de artistas vinculados al movimiento expresionista, el simbolismo, el fauvismo o las propuestas de Marc Chagall, Oskar Kokoschka. Además, no podemos pasar por alto la poderosa influencia de la línea de género que se aprecia en cada una de sus creaciones, recordándonos, de alguna manera, a figuras notables como Remedios Varo y, aunque con distancias evidentes, los icónicos trabajos de Frida Kahlo.

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