Los “Wongders” son personajes creados por Wong para su sección de juguetería, conocida como “Wongderland”, y se caracterizan por ser tiernas criaturas de abundante pelaje y ojos soñadores, quienes además viven bajo el dominio del Rey Wongkamus, a quien LEGO plasmó en escultura tras varias horas de trabajo de armado. 

Wongkamus es un personaje especial al ser el hijo directo de la imaginación en su historia. Es optimista y disfruta al ver cómo los Wongders del reino viven aventuras, pero además cumple el reto de ayudar a los niños a no perder su capacidad de imaginar. Para lo cual, los invita siempre a cumplir la única norma de su reino: jugar. 

Personajes y concurso  

Otros personajes relevantes de la serie Wongders son: Wongder Aventurera, quien ama la libertad y el viento en sus pelitos; Wongder Soñadora, una niña que vive sobre el arcoíris de Wongderland; Wongder Travieso, quien es muy risueño y todo lo ve divertido; Wongder Filósofo, que vive en el laboratorio de la imaginación del Valle Wongder: y Bebé Wongder, el hermano menor de todos. 

Como parte de esta alianza con LEGO, Wong está sorteando un pack set con dos armables: Misión Espacial y Caza Estelar Jedi de Yoda. Para participar, los interesados deberán ubicar la publicación del Rey Wongkamus en el Instagram de Wong Perú y seguir los pasos indicados allí, respondiendo a una pregunta sencilla: ¿cuántas piezas tiene la escultura del Rey Wongkamus? 

Las respuestas ganadoras ingresarán a un sorteo, en el que solo se podrá participar una vez. Habrá dos ganadores, quienes serán anunciados el 01 de diciembre. 

¿Dónde puedo encontrar la escultura del Rey Wongkamus? 

La escultura del “Rey Wongkamus” se presentará en las siguientes sedes y fechas: 

• Wong de Benavides: del 23 al 30 de noviembre 
•  

Lima, 16 de Enero del 2022.- A pocos días de celebrarse el 487 aniversario de la fundación de la ciudad, la Municipalidad de Lima entregó restaurada la escultura del Petiso, que ahora se encuentra en la primera cuadra del Jr. Quilca, entre los emblemáticos inmuebles del Teatro Colón y el Edificio Giacoletti.

Dicha escultura fue elaborada por el artista Humberto Hoyos y su nueva ubicación se definió debido a la cercanía con el lugar del fallecimiento del niño que la inspiró. Como se sabe, una noche de septiembre de 1983, un joven lustrabotas murió electrocutado tras ocultarse de la llovizna en una caja de luz de la plaza San Martín.

La restauración del monumento consistió en la liberación de capas de pintura que cubrían la superficie original. Luego se efectuó un procedimiento para inhibir la corrosión y se colocó una capa de protección para asegurar su conservación. Estas acciones se realizaron como parte de la recuperación de la plazuela de Santo Domingo, donde el Petiso se ubicaba anteriormente.

Tras la intervención, a cargo del equipo de Prolima, se instaló en la nueva ubicación, sobre un pedestal de piedra con la inscripción “El Petiso. Buscó cobijo del frío y elevó su alma a Dios”.

A la fecha la Municipalidad de Lima ha restaurado 49 esculturas públicas y viene trabajando en otras 30. Entre ellas, las de la plazuela del Cercado y de George Washington, próximas a entregarse.

Lima , 09 de agosto del 2021.-Con el objetivo de continuar promoviendo las artes visuales y sus múltiples expresiones en nuestro país, el ICPNA Cultural invita a participar en la convocatoria PREMIO ICPNA ARTE CONTEMPORÁNEO 2021 a todos los artistas que residan en el Perú o artistas peruanos residentes en el extranjero de las disciplinas artísticas: pintura, dibujo, fotografía, grabado, acuarela, escultura, técnica mixta, instalación y video. La convocatoria para la edición 2021 ya se encuentra vigente y finaliza el viernes 3 de septiembre de 2021. Las bases se encuentran en este link https://bit.ly/37lbdVa.

Esta convocatoria tiene dos etapas, la primera, que estará a cargo de un curador, será la preselección, en la que los participantes deberán presentar un portafolio en formato digital, con un máximo de seis a siete obras recientes (no mayor a cinco años) más un texto o explicación por cada una de ellas (200 palabras máximo cada texto) y, además, anexar su curriculum vitae (una página de extensión), estos documentos se deberán enviar al correo premioicpna2021@icpna.edu.pe.

La segunda etapa estará a cargo de un jurado integrado por tres profesionales del campo artístico que serán designados por el ICPNA y el curador, quien designará a un único ganador, entre los artistas que logren pasar la preselección. Los participantes que sean seleccionados deberán entregar la obra el viernes 8 de octubre de 11:00 a. m. a 6:00 p. m. en el Espacio Juan Pardo Heeren (Jr. Cuzco 446, Cercado de Lima).

La temática y técnica serán libres, los artistas deberán presentar solo una obra al concurso, y esta debe encontrarse lista para ser exhibida, no podrá ser un proyecto (se entiende como «proyecto» a una obra por producir o no acabada). Así también, se pide que la obra presentada al concurso debe ser inédita, no tiene que haber sido expuesta al público en museos, centros culturales, galerías ni haber sido finalista en otro concurso nacional o internacional.

Cabe mencionar que el ganador del PREMIO ICPNA ARTE CONTEMPORÁNEO 2021 tendrá un premio económico y la oportunidad de presentar una exposición individual en uno de los espacios de exhibición ICPNA en el trascurso del 2022.

Pocos artistas como Millard Llanque aún trabajan la escultura en esa espacialidad del bloque macizo, calando sobre la materia pétrea una concepción totalmente figurativa y envuelta de simbolismo. La exposición titulada “Espacios vacíos en la escultura” es una muestra de su producción en nueve esculturas en mediano y gran formato y ocho dibujos sobre piedra.

En ella hace un homenaje al vacío y usando como medio a la piedra, “propone disfrutar de las formas cóncavas y convexas que acogen a la luz para ser proyectadas desde su superficie al espacio ulterior”, explica Hugo Salazar Chuquimango, curador de la exposición. “El artista también propone al espectador calar visualmente dibujos ejecutados en una serie de planchas de piedra no como grabados si no con el resultado de visionar los vacíos en lo compacto”.

“Mi trabajo representa la ausencia y busco que el espacio vacío exprese estas sensaciones, simbolizándolos sobre la figura humana. Como individuos migrantes, siempre percibimos las ausencias y somos ausentes, el vacío se lleva en la mente, pero en esta serie de esculturas y dibujos en Piedra trato de visibilizar estas ausencias sobre la figura generando espacios vacíos” explica el artista. La muestra estará disponible del 27 de abril hasta el 27 de mayo en la Galería ICPNA Lima centro (Jr. Cuzco 446). El horario de vista es de 11:00 a.m. a 8 p.m. Ingreso libre.

Sobre el artista

Millard Llanque Rodríguez, (Puno, 1986) estudió en la Facultad de Arte, en la Universidad Nacional de Puno, graduándose como bachiller en Arte (2009). Continúa sus estudios en la Escuela Nacional Superior Autónoma de Bellas Artes del Perú, obteniendo el bachiller en Artes Plásticas y el diploma de Escultor (2015). Tiene el primer premio en su promoción y una mención. Así mismo Ganó el Concurso United Buddy Bears, de la Embajada Federal de Alemania (2016); Premio Adquisición Fundación Euroidiomas (2015); Segundo Premio Concurso de Escultura en Piedra, Municipalidad de Arequipa (2009). Fue elegido para elaborar el Diseño en piedra de la Puerta principal Universidad Nacional del Altiplano (2009).

Entre sus exposiciones  colectivas están, “Vacío Museal”, Museo de Arte Contemporáneo, Barranco, (2016); “Javier Salazar anda suelto”, Galería Miro Quesada, Miraflores, (2016); “Voluntad sobre la materia”, El Olivar San Isidro, (2015); “Escultura en piedra”, Municipalidad de Huaraz, (2015); “Vulnerablemente desnudo” en el ICPNA Cercado de Lima centro (2015); “Identidades divergentes”, Centro Cultural, ENSABAP, (2015). Actualmente trabaja y enseña escultura en piedra.

Texto de curador

Espacios Vacíos en la Escultura

“La naturaleza aborrece el vacío”. Dirían los filósofos griegos 500 AC, en aquel gran auge cultural que se vivía para la época, paradójicamente a ello se contrapone la sensibilidad del artista escultor en piedra, quien no trabajaba por adhesión, sino por sustracción y estaba aferrado a la necesidad física de encontrar esos vacíos apropiados y la técnica de conseguir la forma necesaria para copiar de la mejor manera a la naturaleza.

En la actualidad es inevitable entender con un entendimiento básico en arte que, a primera impresión, la escultura emerge de una piedra, y que según la laboriosidad de un cincel en una mano diestra retirará lo necesario; más de él no podrán adherir fragmentos a su favor, ya que su materia prima -la piedra- es compacta, y no admite vacíos internos que puedan delatar aparentes reproducciones como se suele hacer en esta contemporaneidad.

A pesar de ello pocos artistas como Millard Llanque aún trabajan con la espacialidad, proyectando de manera ilusoria el vacío dentro de ese bloque macizo, luego ir labrando y pulverizando la materia pétrea en una concepción totalmente figurativa y envuelta en un  simbolismo de ausencias -en este caso funesto-  encriptándola como una marca epitafica, que idealiza el vacío como algo concreto y lo concreto como rastros del vacío que el mismo artista se a encargado de quitar, traduciendo al lenguaje de la piedra.

Proveniente del frio altiplano, a sus veintitrés años decide dejar el sur y su rol de escultor por encargo, para estudiar en la ENSABAP, donde egresaría con reconocimientos y con el primer premio de su promoción. Millard es muy consciente de sus orígenes al representar los reflejos del agua y el frio que deja la ausencia de ese inmenso lago; su obra en tanto reproduce el agua como un prolongador del cuerpo que se expande al espacio cosmogónico, donde encontramos el reencuentro con su infancia viéndolo como un ser reflejado muchas veces en su trabajo.

Es en tanto esta, su primera muestra individual y en ella hace un homenaje al vacío y usando como medio a la piedra, propone disfrutar de las formas cóncavas y convexas que acogen a la luz para ser proyectadas desde su superficie al espacio ulterior, así la materia pulverizada es el rastro dejado por el vacío y el reflejo es la presencia de lo que estuvo ausente. El artista también propone al espectador calar visualmente dibujos ejecutados en una serie de planchas de piedra no como grabados si no con el resultado de visionar los vacíos en lo compacto.

Actualmente entendemos por física que el vacío no existe o también es el todo, que es una maraña dispersa de micro partículas en el espacio y que actúan como una masa que es impulsada por la presión, de la misma manera un escultor entiende que cualquier tipo de partícula sujeta por la presión es un material volátil y para mejor entendimiento, según palabras del gran artista del Renacimiento Miguel Angel Buonarroti “¿Cómo puedo hacer una escultura? Simplemente retirando del bloque de mármol todo lo que no es necesario”.

Hugo Salazar Chuquimango.

La muestra que Pablo Atchugarry presenta en Lima está conformada por un conjunto de 10 esculturas de mediano formato, trabajadas en Bronce, mármol Carrara, mármol rosa de Portugal y mármol gris Berdiglio.

“Pablo Atchugarry desde hace tiempo ha optado decididamente por el aproche directo a la piedra, sobre la que actúa sin intermediación de ningún tipo, sea ideativo, ejecutivo o de procedimiento; localiza personalmente los bloques marmóreos, escuadrados en paralelepípedos funcionales al programa de principio, eligiendo prácticamente entre dos únicos materiales: el mármol estatuario de Carrara, diáfano y preliminarmente neutro y abstractivo y el rosa del Portugal, sensual y mudable, cromáticamente evocativo, a menudo surcado por llamativas intrusiones polimorfas de cursos imprevisibles y de una inevitable relevancia sígnica.

Desde ese momento inicia el cuerpo a cuerpo directo con la dura materia; naturalmente el escultor, que trabaja solitario en su taller de Lecco, cara a cara con las montañas manzonianas, explota todas las posibilidades operativas que le ofrece la tecnología moderna, desde las sierras a los cinceles neumáticos, desde los taladros a los abrasivos mecánicos y químicos; pero no obstante estas facilitaciones su obrar guarda todavía un aura de titánico desafío físico, que evoca la irónica observación de Leonardo, allí en sus apuntes fulminantes, cuando afirma que la escultura no es una ciencia según el aristocrático ideal humanístico sino «un ejercicio mecánico, acompañado muchas veces de gran sudor» Carlos Pirovano, historiador de arte, Italia.

“La historia de la escultura de Atchugarry nace toda aquí, en formas que se elevan hacia el cielo, comprendiendo y dialogando con el espacio ambiental -real, no descrito-, de reminiscencias naturales y de simplificaciones estructurales, en la búsqueda de una esencia que el componente referencial no anula, pero despoja de connotaciones descriptivas. La naturaleza permanece como uno de los registros principales del «hacer» del artista, nunca, sin embargo, es naturalista. Y entonces sí, se puede creer en la presencia de un «primitivismo» …, a un diálogo con referentes primarios, constitutivamente no comprometidos con el motivo. (…), «a pesar de que la obra surja de la devastación de un bloque de piedra, siempre se destaca el pliegue, como si se hubiera iniciado de una materia que luego se ha replegado y entrelazado» «Luciano Caramel, curador, La escultura como arte de símbolos para la comunidad».

Pablo Atchugarry, Montevideo, Uruguay, 1954. Sus padres advierten tempranamente el interés y el talento artístico del joven Pablo y desde niño lo alientan a seguir el camino del arte. En sus primeras obras el artista se expresa a través de la pintura, pero gradualmente irá descubriendo otros materiales como el cemento, el hierro o la madera.
Su primera escultura en cemento es de 1971 (Caballo). A ella le seguirán otras obras realizadas en cemento y hierro, entre las que se encuentran Escritura simbólica ,1974, Estructura cósmica 1974, Metamorfosis prehistórica, 1974.
A finales de los años setenta, tras haber participado en una serie de exposiciones colectivas en Montevideo, Buenos Aires, Puerto Alegre y Brasilia, Pablo Atchugarry realiza varios viajes a España, Francia e Italia, para estudiar y profundizar sus conocimientos y técnicas. En Lecco, Italia, realiza en 1978 su primera exposición personal. Más adelante expondrá sus pinturas en ciudades como Milán, Copenhague, París, Coira, Bérgamo o Estocolmo.

En 1979, tras experimentar con diferentes materiales, descubre la extraordinaria elegancia del mármol y trabaja en Carrara en su primera escultura, titulada La Lumière. En 1982 realiza un primer proyecto monumental en mármol de Carrara; en ese mismo año se establece definitivamente en Lecco y comienza a esculpir La Pietà en un único bloque de mármol de 12 toneladas. En 1987 realiza su primera exposición individual de esculturas en Milán, en la Cripta del Bramantino, comisariada por Raffaele de Grada.

A finales de 1996 destaca la instalación de una de sus obras, Semilla de la esperanza, en el parque de esculturas del Palacio del Gobierno de Montevideo, en Uruguay.

En 1999 el artista inaugura el Museo Pablo Atchugarry, que alberga obras creadas a lo largo de su carrera junto con la documentación bibliográfica y el archivo de toda su obra.

Veinte años después de su llegada a Italia, la Provincia de Milán organiza una muestra retrospectiva de su obra en el Palacio Isimbardi de la capital lombarda, bajo el título Le infinite evoluzioni del marmo. Este mismo año el artista empieza a trabajar en su primera gran obra monumental, Obelisco del Terzo Millennio, una escultura de mármol de Carrara de 6 metros de altura desinada a la ciudad italiana de Manzano (Udine); también en este año gana el concurso nacional convocado para la realización del monumento Civiltà e cultura del lavoro lecchese, una gran escultura de mármol blanco Bernini de 6 metros de altura y treinta toneladas de peso.

En 2002 Carrara le concede el premio Michelangelo como reconocimiento a su trayectoria artística. Este año verán también la luz varios proyectos importantes, entre los que destaca Ideali, una escultura realizada para conmemorar el 50º aniversario de la coronación del Príncipe Rainiero, que se puede admirar en la avenida Princesse Grace de Mónaco, Montecarlo.

En 2003 representa a Uruguay en la 50ª Bienal de Venecia, con su obra Soñando la paz, un grupo escultórico formado por ocho grandes piezas, cinco de ellas de mármol de Carrara y tres de mármol bardiglio de la Garfagnana. También en 2003 termina la escultura Ascensione, encargada por la Fundació Fran Daurel de Barcelona. España.

En 2004 destaca la realización de Energia Vitale, una escultura de mármol rosa de Portugal instalada en el Beilinson Center de Petah Tikva, Israel. El año siguiente, 2005, se organiza una exposición de su obra en Argentina, en el Museo Nacional de Bellas Artes de Buenos Aires. De junio a noviembre de 2006 se puede admirar una gran exposición retrospectiva de su trabajo en el Museo Groeninge de Brujas, Bélgica, con obras procedentes de colecciones privadas de todo el mundo; este mismo año la Coleção Berardo, de Lisboa, Portugal, adquiere la escultura Camino Vital.

En 2007 el artista inaugura la Fundación Pablo Atchugarry en Manantiales, Uruguay, con el objetivo de promocionar las artes y crear un lugar de encuentro para artistas de todas las disciplinas, un lugar de unión ideal entre el arte y la naturaleza. Este mismo año termina su obra Nella luce, de 8 metros de altura, realizada en un único bloque de 48 toneladas, por encargo de la Collezione Fontana, en Italia.

Entre 2007 y 2008 se celebra en Brasil una exposición retrospectiva de su trabajo, El espacio plástico de la luz, con texto crítico de Luca Massimo Barbero. Presentada primero en el Centro Cultural del Banco do Brasil en Brasilia, posteriormente viaja al Museu Brasileiro da Escultura de São Paulo, MuBe y al Museo Oscar Niemeyer de Curitiba.

En el 2008 el Museo Nacional de Artes Visuales de Montevideo organiza una exposición retrospectiva consagrada a su actividad artística durante los últimos quince años.

En el año 2009 realiza la obra Luz y Energía de Punta del Este en un único bloque de mármol de Carrara de cinco metros de altura, en conmemoración al centenario de la ciudad.

En 2011, después de siete años de trabajo, termina Abbraccio Cosmico, una obra monumental realizada en un bloque de mármol de 56 toneladas y 8,5 metros de altura. Este mismo año tiene lugar su primera exposición individual en Nueva York, en la Hollis Taggart Galleries, con texto crítico de Jonathan Goodmann. Posteriormente, en marzo 2012, la asociación Times Square Alliance selecciona su escultura Dreaming New York para ser expuesta en Times Square durante la feria de arte The Armory Show Art Fair de Nueva York.

A finales de 2013 la editorial Mondadori Electa presenta el Catalogo generale della scultura, un catálogo razonado en dos volúmenes, a cargo del profesor Carlo Pirovano, que documenta todas las obras realizadas por el artista entre los años 1971 y 2013.

En abril de 2014 instala en Kallo-Beveren, Bélgica la escultura de mármol estatuario de Carrara Movimento nel Mondo, de 8,35 metros de altura. Entre julio y septiembre de este mismo año se puede visitar en el Museu Brasilero da Escultura de São Paulo una gran retrospectiva titulada A Viagem pela matéria.

Del 22 de mayo de 2015 al 7 de febrero de 2016 se celebra en el Museo de los Foros Imperiales – Mercado de Trajano, de Roma la exposición titulada Pablo Atchugarry: Città eterna, eterni marmi, en la que se pueden admirar cuarenta esculturas del artista.

Las obras de Pablo Atchugarry se han exhibido en los siguientes museos e instituciones públicas: Museo Nacional de Artes Visuales, Montevideo; Museo del Parco, Portofino (Italia); Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires; Galleria d’Arte Moderna Raccolta Lercaro, Bolonia; Colección de la Provincia di Milano, Palazzo Isimbardi, Milán; Colección de la Provincia di Lecco, Lecco ; Fundació Fran Daurel, Barcelon; Museo Groeninge, Brujas -Bélgica; Museu Coleção Berardo, Lisboa; Pérez Art Museum, Miami; The Patricia & Phillip Frost Art Museum, Miami; Chrysler Museum of Art, Norfolk; Museu Brasilero da Escultura, São Paulo.

Actualmente Atchugarry vive y trabaja entre Lecco, Italia y Manantiales Uruguay, donde ocupa parte de su tiempo en el desarrollo de la Fundación Pablo Atchugarry, el Parque Internacional de Esculturas Monumentales y la enseñanza y divulgación del arte.

“La Ciudad de los Reyes” es la obra de chocolate que nos regala el JW Marriott Lima para la admiración de grandes y pequeños en esta Navidad, elaborada totalmente a mano.

Los expertos pasteleros han volcado todo su arte en el diseño en chocolate de esta nueva maravilla preparada en su totalidad con más de 200 kilos de chocolate que nos permite admirar la Lima antigua y moderna compuesta por piezas a escala de 1.70 largo 2.10 ancho.

«Nuestro trabajo duro tres meses desde las bases hasta los últimos retoques y acabados », nos cuenta la chef Valery Schroth quien acompañada por un grupo de 13 especialistas en pastelería trabajaron en la confección de esta dulce obra elaborada totalmente a mano.

La iluminación fue diseñada desde la elaboración de la estructura de la Plaza Mayor , pasando por las calles y avenidas que conforman el Damero Pizarro gracias al apoyo de la arquitecta Lucytania Bazán, cabe resaltar que lo más importante fue mantener el estilo barroco detallista, minucioso de nuestra Lima “La ciudad de los Reyes” para la admiración de todos.